Hebemus Papam, Nanni Moretti, 2011

Habemus Papam cartaz

Habemus Papam cartaz

“Hebemus Papam”, filme do cineasta italiano Nanni Moretti, diretor de filmes como “Caos Calmo” e “O Quarto do Filho”, nos conta a historia da escolha mais mítica da igreja, do Papa, e por fim, o Papa, que se recusa a ser Papa. Sim, ao contrário do imaginário popular, no filme de Moretti não há disputa entre os cardeais, e sim o medo de ser escolhido.

Logo no início do filme, durante o conclave na Capela Sistina, vemos o clero escolhendo o nome do próximo Papa, e ouvimos seus pensamentos dizendo “Eu não Senhor, eu não”, em cada um dos membros ali presentes.

E assim caminha o filme de Nanni Moretti, mostrando o quanto são humanos os sagrados e míticos rituais da Igreja Católica, o quanto é humano também, a Vossa Santidade, o Papa.

Moretti coloca, por que não dizer, em debate, o sagrado e o profano, o divino e o humano, em seu filme que podemos então colocar, que se situa entre o drama e a comédia.

Em meio a crise de depressão de um Papa, que em sua juventude gostaria de ser ator, e que literalmente foge do personagem que seria o mais importante de sua vida, o clero chama um psicólogo ateu, para cuidar ajudar esse Papa.

Em uma sessão nada convencional, onde todo clero está presente, o psicólogo vivido por Nanni Moretti tenta conversar com o Papa sobre o porque de sua recusa a assumir o papado, e questiona sua fé.

Embora proibido pela Igreja, em meio a tantos escândalos de pedofilia e corrupção, as críticas de Nanni Morreti são sobretudo sobre o homem, e não a Igreja Católica em si. O diretor enfatiza com o filme, que por mais “divina” que seja a escolha ou a condição de um Papa, todos ali, são acima de qualquer coisa, seres humanos, com todas as angustias e sofrimentos que um homem possa ter.

Com o Papa andando como um homem comum em meio a cidade, um soldado toma seu lugar no quarto, para que o clero fique mais tranqüilo, com a suposta presença de Vossa Santidade. Isso resulta em ótimas cenas sobre o sentimento de se ter um “líder” mesmo que invisível, mesmo que ausente.

A escolha do Papa é esperada pelo mundo todo, o jornalista narra sua escolha como quem narra um grande espetáculo, uma multidão do mundo todo aguarda seu pronunciamento, se mente para o povo não se sentir órfão até que consigam convencer o Papa de tomar posse. Nada mais humano que uma mentira, por mais boa intenção que ela tenha.

Em todo momento, mesmo sem Papa, mesmo sem um líder, o nome do filme se faz justificar, então temos “Habemus Papam”, que ironicamente em latim significa “Temos Papa”.

As críticas e as piadas em torno da Igreja e todo seu mito, são muito menos contundentes do que se esperaria de um diretor como Moretti. Mas ele foi ainda mais feliz, em transformar um tema que realmente poderia ser pesado, porém clichê, em uma comédia deliciosa, e não por isso menos crítica e verdadeira.

Interpretando o Papa, temos Michel Piccoli, um grande e experiente ator que já trabalhou com nomes como Godard, Alain Resnais, Jean Renoir e era um dos preferidos atores de Luis Buñuel. Piccoli dá certa leveza e a humanidade necessária ao personagem. Você até consegue o ver como Papa alí, mas acima de tudo, acredita em seus medos e suas angustias.

Nanni Moretti por sua vez, faz um personagem que se aproxima muito dele mesmo. Um ateu culto e questionador sobre essa política da Igreja. Moretti é um questionador, da política italiana, da igreja, da sociedade de um modo geral.

A fotografia de Alessandro Pesci, que já havia trabalhado com Moretti em “Caos Calmo” é correta, limpa e agradável aos olhos, mesmo nos mostrando toda aquela poluição visual da riqueza e ostentação contida nos palácios da Igreja Católica.

“Habemus Papam” mais que um filme autoral de Moretti, é filme inteligente, mas nada presunçoso, sem arrogância, pelo contrário, é leve, fácil e gostoso de se ver. Um jogo de personagens e situações nunca antes imaginados.

Nanni Moretti está construindo uma filmografia politizada, critica, e também atemporal. Seus filmes ficarão, seu mais antigos filmes continuam atual, sua visão de mundo é libertária, sensível e humana. E esse é o grande charme de seus personagens, de suas historias.

Jair Santana

“Copacabana”, Marc Fitoussi, 2010

"Copacabana" Cartaz

Apesar do nome, no filme francês “Copacabana”, não se verá uma cena sequer da praia e nem mesmo de qualquer parte do Brasil. E apesar disso, o Brasil, em especial o Rio de Janeiro, se fez muito presente em todo filme. Seja na trilha sonora toda composta de músicas brasileiras, seja no sonho da personagem principal de conhecer o Brasil.

“Copacabana” é sexto filme de Marc Fitoussi, diretor francês que com esse trabalho, conseguiu sua maior projeção de público e crítica, participando da Semana da Critica do Festival de Cannes e na mostra Panorama Mundial do Festival do Rio.

O roteiro conta a historia de Babou (Isabelle Ruppert), uma mulher, digamos fora do comum. Sem emprego fixo, espontânea, alegre e solteira, Babbou leva uma vida fora dos padrões convencionais. É mãe de Esmeral (Lolita Chammah), que é totalmente avesso e contra o comportamento da mãe. Por esse motivo, Esmeralda não a convida para seu casamento, com medo que ela a embarace na frente de todos.

O filme poderia se concentrar, para o bem ou para o mal, somente nessa relação mãe e filha, mas vai para outro lado. Tenta captar o passo a passo na vida de Babbou. E o espectador passa a se apaixonar por esse personagem, digamos, “louquinho”. E essa relação mãe e filha, é apenas parte de sua historia.

Babbou tem o grande sonho de conhecer o Brasil, “Adoro a música brasileira. Esse país sempre me fascinou” afirma ela em determinado momento. Seu objetivo é guardar dinheiro para realização desse sonho. Ela consegue um emprego como vendedora de apartamentos “time-sharing” em Ostende, uma espécie de balneário da Bélgica, e se muda pra lá.

Curioso observar, as tomadas aéreas naquela cinzenta praia, ao som de músicas brasileiras, como samba e MPB, como se fossem as praias cariocas, como Copacabana por exemplo.

A câmera cola em Babbou. Em mais de 90% do filme, Isabele Huppert está presente em frente as câmeras interpretando a deliciosa Babbou. Estabanada, avessa a obedecer normas, o que lhe causa problemas no trabalho, e também a relacionamentos mais sérios. Ela é até certo ponto, ingênua, mesmo quando magoa seu parceiro por exemplo, é impossível ficar com raiva de Babbou.

O Brasil do sonho da personagem é o Brasil do imaginário gringo. É o país da bossa nova e do samba que estão presentes na trilha sonora. Sempre alegre, o Brasil das mulatas, dos amantes latinos. É o Brasil que não existe, ou melhor, que existe somente nos sonhos. Por isso mesmo, muito bem usado, a imagem do país não sai do cartão postal.

No final do filme, Babbou tem contato com um grupo de samba brasileiro, cheio de mulatas, penas, e pouca roupa, que vai se apresentar na festa de casamento da filha.

Como grande parte dos gringos, Babbou se encanta e dança desengonçadamente entre os sambistas e mulatas. É o ápice desse Brasil “exótico” presente na cabeça dos gringos

O que poderia ser perigoso, o fato de ter a personagem em quase todas as cenas do filme, acaba por se tornar uma das melhores coisas e “Copacabana”. Isabelle Huppert está mais uma vez maravilhosamente bem. Leve, a vontade, Babbou é bem diferente da maioria de seus personagens. Huppert é ganhadora de 2 prêmios de melhor atriz em Cannes e tem recorde de indicação ao Cesar, o maior prêmio do cinema francês.

A curiosidade aqui fica por conta de Isabelle contracenar com Lollita Chammah, mãe e filha na ficção, são mãe e filha na vida real. Essa foi a primeira vez que as duas trabalham juntas.

A fotografia é da experiente fotógrafa Hélène Louvart, que recentemente trabalhou com Win Wenders em “Pina”. Em “Copacabana” a fotografia é comportada, sem grandes firulas, sem grandes momentos. Correta, mas comportada. Sinto falta de uma certa ousadia, ou mesmo planos mais trabalhados.

A trilha sonora é composta somente de músicas brasileira, que vai de “Canto de Ossanha” interpretado por Astrud Gilberto, passando por “Partido Alto” do Chico Buarque, e também o som de Jorge Ben ou de Marcos Valle. É delicioso e curioso ouvir essas músicas totalmente atreladas ao cinema francês.

“Copacabana” é uma comédia divertida, com uma pitada de drama, mas acima de tudo uma comédia. Serve para repensarmos conceitos de vida, conceitos de felicidade e nos questionarmos quanto ao temos como “correto”. Babbou foge disso, vai contra todos os padrões, e mesmo assim, consegue a sua maneira ser uma mulher feliz.

Jair Santana

“Reencontrando a Felicidade”, John Cameron Mitchel, 2011

Reencontrando a Felicidade

Reencontrando a Felicidade

“Reencontrando a Felicidade” é o terceiro longa do já cultuado diretor John Cameron Mitchell. Seus primeiros trabalhos, “Hedwig”“Shortbus”, são bem diferentes e mais, digamos, undergrounds que “Reencontrando a Felicidade”.

O roteiro é de David Lindsay-Abaire, baseado em roteiro de sua própria peça, vencedora de vários prêmios na Broadway, incluindo o de Cynthia Nixon (a Miranda de Sex and the City 2), que ganhou um prêmio Tony, espécie de Oscar do teatro americano, por seu papel de mãe em luto, personagem de Kidman no filme, que pelo personagem concorreu ao Oscar.

Basicamente, “Reencontrando a Felicidade” é um filme sobre perdas. Talvez, a pior delas que a perda de um filho. Porém, diferente do que se pode imaginar de um filme com essa temática, o filho não faz parte fisicamente do filme. Não temos contato diretamente com ele, pois a historia começa após oito meses a morte de Danny, o filho casal Becca (Nicole Kidman) e Howie (Aaron Eckhart), que até então, levavam uma vida que se pode chamar de “perfeita”.

O mergulho no drama dos dois é apresentado lentamente, Danny quase não é apresentado fisicamente ao espectador, exceto em uma cena que não dura mais que alguns poucos segundos em um vídeo de Howie, talvez para fechar ao espectador, a real existência de Danny na vida dos dois. Essa presença é percebida principalmente pelo quarto, pelos desenhos, brinquedos, roupas, em cada detalhe da casa, da vida cotidiana dos dois.

A grande diferença do modo de lidar com essa perda é que o foco principal do filme. Trabalhar essa ausência ou simplesmente tentar apagar as lembranças? É possível apagar?

Enquanto Becca tenta apagar tudo que remeta ao filho e a época feliz que eles viveram e que não voltará mais, Howiw tenta lembrar com carinho e lidar com a perda tentando voltar a sua vida normal.

Pela historia, o filme teria tudo para ser um grande melodrama, cheio de clichês piegas e manipuladores. Mas não, “Reencontrando a Felicidade” vai em caminho contrário a isso. Justamente esse ponto torna o filme mais interessante que a grande maioria sobre o assunto.

Porém isso não torna o filme menos denso e menos triste. Mesmo sem ver a criança, nos envolvemos com o drama do casal, a historia vai sendo apresentada devagar, e na mesma velocidade vamos nos envolvendo, e cada vez mais vamos conhecendo os fatos.

Interessante em certo momento observar, a ida de Becca ao antigo emprego, que abandonou quando perdeu o filho. Após oito meses as coisas mudaram. Alguns colegas não estão mais por lá, outros foram promovidos, ou seja, as coisas continuaram, a vida continuou, ao contrário da personagem que ficou congelada, parada desde então.

A produção do filme é da própria Nikole Kidman, por se interessar na historia, sem mesmo chegar a assistir a peça na Broadway. Marcou um encontro com David Lindsay e seu produtor para comprar os direitos da peça. Esse interesse pelo papel foi muito feliz. Nicole concorreu ao Oscar, Globo de Ouro e vários outros prêmios pelo mundo. É o melhor personagem de Nicole desde Grace de “Dogville”.

Outro destaque no filme é a participação da experiente atriz Diane Wiest como Nat, mãe de Becca. A personagem passou por um problema parecido, e perdeu um filho, por outro motivo. Diane só não chega a roubar a cena porque Nicole está igualmente bem no papel. Diane também concorreu a vários prêmios. Esse é mais um grande personagem dessa talentosa atriz. Seus momentos no filme são fortes e fundamentais.

A direção de Mitchel veio a partir de uma historia pessoal sua, pois aos 14 anos Mitchel perdeu um irmão de apenas 10 anos, e sua família não conseguiu superar completamente esse perda até hoje. Talvez daí a delicadeza e a sensibilidade no tratamento do tema.

A fotografia de Frank G. DeMarco também é um ponto positivo no filme. Predomina o ocre, o sépia, principalmente em cenas na casa, como em fotos antigas, remetendo sempre a lembranças, ao passado. Frank já havia trabalhado antes com Mitchel em “Shortbus”.

A música de Anton Sanko é de grande sensibilidade, melancólica mas não demasiadamente triste. Anton equilibra bem cordas e o suave toque do piano para demonstrar o atual cotidiano arrastado do casal. A trilha sonora é um ponto forte do filme.

“Reencontrando a Felicidade”, é mais um acerto na carreira de John Cameron Mitchell, mais um acerto na carreira de Nicole Kidman e todos os envolvidos. Um filme belo, atemporal, de sensível, que não teve a repercussão que merecia, que não teve o público que merecia, mas que como todo bom filme, pode ser descoberto e redescoberto por qualquer um a qualquer tempo.

Jair Santana

“Ricky”, François Ozon, 2009

Cartaz de "Ricky"

Cartaz de "Ricky"

A principal afirmação que podemos fazer sobre “Ricky”, filme do diretor francês François Ozon, é que é, apesar do tom realista, o filme não passa de uma grande e bonita fábula.

Algo cabe ao espectador nesse filme. Estar livre, estar de peito aberto ao que o diretor lhe propões, e a partir daí, mergulhar no filme. Podemos dizer, que é difícil até, classificar o filme em algum gênero se o quisermos fazer.

A clima do filme é de extremo naturalismo. Ainda no prólogo do filme, Kate chora copiosamente para assistente social, falando que não consegue criar o filho, pois ele chora demasiadamente. Então voltamos alguns meses antes, para conhecermos a história.

Kate é uma mãe solteira, cria sua filha Lisa sozinha, mas já na primeira cena, percebemos que a há uma inversão de responsabilidades. Lisa, apesar de pouca idade, aproximadamente 7 ou 8 anos, é quem acorda a mãe para o trabalho, faz o café da manhã, como se a dona da casa realmente fosse Lisa.

Kate trabalha em uma fábrica, tem uma vida medíocre, sem perspectivas. Conhece Paco, quando esse começa a trabalhar na fábrica também. Os dois tem um envolvimento impulsivo, e logo Kate engravida.

O filho de Paco e Kate é Ricky. A criança é o motivo da virada de 180° que o filme dá. Como é motivo de virada na vida daquela familia. Mas aqui, Ricky é uma criança mais que especial. Ricky vai colocar em jogo a confiança da família, a união familiar, e mais que colocar em jogo, vai ser também o grande motivo de aproximação desse núcleo familiar.

Essa virada do filme pode causar estranhamento em alguns espectadores. Ozon passeia entre momentos engraçados e sequências mais fortes e emocionantes, como quando Lisa espera pela mãe sozinha até a noite em frente a escola.

Paco entra rapidamente na vida de Kate e Lisa. Com a chegada de Ricky as coisas ficam mais difíceis, por causa do horário de trabalho, o pouco dinheiro. Algumas marcas roxas em Ricky fazem com que Kate questione Paco sobre seu comportamento quando ele está sozinho com o filho. Paco não suporta a desconfiança e sai de casa.

Kate e Lisa passam sozinhas a cuidar de Ricky, Lisa começa a ter ciúmes de toda atenção, que inclusive é exigida com que ela dê a Ricky, e com isso, novos situações vão surgindo, novas tensões familiares aparecem, inclusive a tentativa de retorno de Paco.

Algumas situações são colocadas, mas sem que seja dada muito importância a elas, como a reação da sociedade a anomalia de Ricky. E isso não é o mais importante. Como a sociedade se comporta é o que menos importa. O importante ali, é como a família se comporta. O retorno de Kate a sua função de mãe por exemplo.

A cena de Kate no lago, lembra uma espécie de batismo, de renascimento dessa família, que passa a se reestrutura como uma família a partir dalí.

“Ricky” é um convite ousado que Ozon faz a seu público, que precisa estar aberto a proposta do filme. Um convite inusitado e gostoso. Pois “Ricky” é um filme diferente, inteligente, com tons de um humor sutil, uma outra característica de Ozon, mas ao mesmo tempo uma forte carga dramática existente o tempo todo no filme.

Jair Santana

“A Minha Versão do Amor”, Richard J. Lewis, 2010

A Minha Versão do Amor

A Minha Versão do Amor

O filme “A Minha Versão do Amor” não é mais uma comédia romântica caça níquel como o bobo título sugere. Título horroroso por sinal. Prefira o original, “Barney’s Version”. O filme aqui exige mais do espectador que a maioria enquadrada nesse gênero. Gênero esse que a distribuidora por aqui quis assumir pra atrair mais público.

Dirigido por Richard J. Lewis, conhecido diretor de seriados de televisão como CSI , “A Minha Versão do Amor” conta a historia de Barney Panofsky (Paul Giamatti), um total anti-heroi, fanfarrão, passional, arrogante, ácido, além de sortudo e chato.Ou seja, um personagem mais comum e real que a maioria que o cinema nos apresenta.

Sua historia é contada a partir das recordações de Barney, que está por votla de seus 60 anos. Apresentando em seu roteiro elipses temporais, conseguindo com isso, dar uma enxugada ao que realmente interessa. Sendo assim, o pouco mais de 2 horas do filme passam sem cansar o espectador.

Barney é fiel aos amigos mais que as suas esposas. Elas, as esposas, durante sua vida foram três. Cada uma por um motivo diferente, e somente uma delas por amor. Amor incondicional, mas cheio de falhas, como o bom ser humano que Barney é.

Sua historia de vida passa entre a comédia e o drama. Cheia de erros e acertos pessoais e morais, e isso torna o roteiro de Michael Konyves, baseado no Best seller canadense “Barney’s Version” do escritor Mordecai Richler, genial. Torna o personagem mais próximo do que podemos chamar de “humano”.

Esse é realmente o forte do roteiro, a humanidade do personagem. O fato do filme estar entre o drama e a comédia, e manter esse equilíbrio de forma inteligente e eficaz o enriquece ainda mais. Sobre tudo isso, uma pitada de suspense e policial, com a investigação de um assassinado com Barney como principal suspeito. Não, o filme não se torna confuso, pelo contrário, são informações que só acrescentam a personalidade de Barney.

Ótimos e rápidos diálogos, aparentemente comuns, em especial de Barney com seu pai Izzy, com os quais, o espectador pode se identificar inúmeras vezes, tanto de um lado (do Barney) quanto do outro. O “lugar comum” aqui é muito bem trabalhado.

O roteiro é o que poderíamos classificar como verborrágico, porém nunca se fala mais que o necessário. Há o ponto certo entre o que a imagem deve falar, e a palavra. Pode-se identificar um pouco de Woody Allen na referência do roteiro e até do próprio personagem com suas paranóias.

Ora odioso, ora apaixonante, quem dá vida a Barney Panofsky, é o extraordinário ator Paul Giamatti, vencedor do Globo de Ouro por esse papel, Giamatti é um ator de formação refinada, mestre em artes dramáticas na Universidade de Yale nos EUA, e agora parece que realmente chegou sua vez em Hollywood. Os olhares, o tom certo da ironia, o sarcasmo, a paixão com que se entrega Giamatti aqui, surpreende. Soma-se a Giamatti as aparições de Dustin Hoffman, (Izzy Panofsky, pai de Barney) e também Rosamund Pike, como sua esposa Miriam.

Quem vai assistir esperando uma “historia de amor” com o clichê do final feliz pode se decepcionar, ou não (como diria Caetano). O filme é seguro e coerente com a historia de seu personagem. Com momentos fortes e tocantes, e acima de tudo, momentos humanos, que se aproximam do que podemos chamar de real.

Barney é um ser passional e apaixonado, cheio de vulnerabilidades, e isso lhe causa uma série de problemas na sua vida. Falar somente da história aqui é muito difícil, pois sua imagem é muito importante e curiosa. Não há como separar o personagem do “fio” da historia. Nesse caso aqui, não é o destino que chama que o chama para historia, é justamente o contrário, Barney chama o destino pra ele.

Curioso como o roteiro nos coloca em uma situação onde é difícil de julgar suas atitudes quando conhecemos sua historia de vida. Mas facilmente “julgável” quando escolhemos algumas de suas ações isoladamente. Mais uma vez, como na vida real, não se pode ser muito pragmáticos nos julgamentos.

Outro bom acerto do filme é a música de Pasquale Catalano, compositor italiano responsável por trilhas sonoras de filmes como “O Primeiro que Disse” e “As Consequências do Amor”. Catalano realiza uma trilha emocionante, mas não melancólica, casando perfeitamente com o clima oferecido pelo filme.

A fotografia de Guy Dufaux (de “Invasões Bárbaras” e “A Era da Inocência”) é correta. Porém, vejo aqui que o roteiro, cheio de elipses, realizado em dois tempos diferentes, pudessem oferecer uma liberdade maior para se brincar com a luz, com a cartela de cores. Senti um pouco de falta disso.

Uma ótima frase pra se sintetizar a vida de Barney Panofsky está no filme, “A vida real, ela é feita de pequenas coisas… minutos, horas, tarefas, rotinas e isso tem que bastar”. A partir dessa frase, cabe ao espectador analisar e se questionar sobre o que é o “final feliz” na vida do personagem. Se é que o “final feliz” é o que realmente importa.

Jair Santana

“Rio”, Carlos Saldanha, 2011

Cartaz do filme "Rio"

Carlos Saldanha percorreu um longo e sólido caminho até chegar a direção do filme “Rio”, um dos maiores sucessos de bilheteria de 2011. Começou como produtor de curtas metragens, depois passou a trabalhar com efeitos visuais de filmes como “Um Passe de Mágica” e “Clube da Luta”, até chegar na co-direção de “A Era do Gelo” e “Robôs”. Já em 2006 assumiu a direção da franquia e dirigiu “A Era do Gelo 2” e logo em seguida em 2009 a ultima parte da trilogia, “A Era do Gelo 3”. Mas talvez seja em “Rio” que sentimos que Carlos Saldanha chega a sua maturidade como diretor.

“Rio” apresenta a historia de Blu, uma arara azul, com quase o mesmo do mesmo nome do estúdio onde foi criado, Blue Sky, ramificação de animação da FOX. A arara azul, é uma espécie nativa da mata atlântica brasileira, que se encontra ameaçada de extinção.

Blu (Jesse Eisenberg) foi capturado ainda jovem por contrabandistas de aves, e acabou, por acidente, caindo em uma pequena cidade no frio estado de Minnesota nos EUA, aos cuidados da jovem Linda (Leslie Mann ), com quem tem uma forte relação de amor e confiança.

Blu é encontrado por um ornitólogo (biológo que se dedica ao estudo das aves), Túlio (Rodrigo Santoro), que tenta convencer Linda a levar Blu para o Brasil para que ele possa encontrar uma fêmea de sua espécie com a finalidade de perpetuar sua espécie.

Como bom roteiro clássico que é, Linda e Blu apresentam uma certa negação a sair do seu lugar comum e partir para o mundo especial, mas lógicamente acaba indo para o Rio de Janeiro, para que Blu encontre com Jade (Anne Hathaway) e viva sua esperada aventura.

O roteiro é de Don Rhymer, de “Vovó Zona 1,2 e 3” e “Ta Dando Onda”. Roteiro clássico, sem novidades, com clichês e final previsível. Sim, mas com tudo isso, ainda é um roteiro com uma boa mensagem, do cuidado com a preservação de animais em extinção, com bons personagens e com muitas tiradas engraçadas. Mais que isso, com um humor, que apresenta certa leveza e consegue agradar crianças, e também com uma inteligência que consegue agradar aos adultos.

Apesar de muitos críticos esquecerem, devemos lembrar que acima de tudo, “Rio” é uma animação, diferente de “Wall-E” de Andrew Stanton e “O Mágico” de Sylvain Chomet, que são animações adultas. “Rio” é sim, acima de tudo um filme infantil, por isso, alguns clichês, como o final feliz, são necessários para que as crianças não saiam frustradas do cinema.

E o interessante no filme é justamente, que “Rio”, consegue manter uma ingenuidade e sutileza dos filmes infantis, sem ser um filme bobo e aleatório, conseguindo agradar, e muito, os adultos também.

Visualmente, Carlos Saldanha conseguiu construir um filme rico, belo, cheio de detalhes reais de seu cenário inspirador. Construiu um Rio de Janeiro apaixonante, mesmo sem esconder a pobreza das favelas. Mesmo que seja tudo com sua liberdade poética e um visual romantizado, a favela, a pobreza, presente no personagem do garotinho, e a marginalidade, nos personagens que traficam as aves, estão presentes no filme. Está tudo ali, bom e o ruim Rio de Janeiro.

Um Rio de Janeiro com liberdade poética claro, onde se pula de asa delta na Gávea e se passeia ao redor do Cristo Redentor. Mas não se pode procurar verossimilhança espacial em um filme, ainda mais em uma animação. Criticar esse ponto, já seria um exagero quase que patológico.

Muitos críticos brasileiros reclamaram dos clichês apresentados no filme, como se no Rio, os cariocas vivessem em função do carnaval ou falassem inglês fluentemente. Talvez, o problema seja realmente dos críticos, por esquecerem primeiro, que o filme, não é brasileiro, e por ser realizado por um estúdio americano e voltado para o mercado internacional, logicamente será falado em inglês. E segundo, o Rio de Janeiro, próximo ao carnaval, vive sim, em função da festa. Mas talvez, pra se entender isso, tenha que se viver no Rio de Janeiro por algum tempo, para se ter a visão do que representa o carnaval para a cidade e para o carioca. Carnaval esse, que começa sua preparação, festas e ensaios, no segundo semestre do ano anterior, com pessoas vivendo plenamente o carnaval, mesmo já próximo do natal por exemplo. Mas não vamos aqui, continuar dissertando sobre a ignorância de alguns críticos.

Temos sim que entender, o objetivo do filme, para que público ele foi feito, qual sua mensagem, e se ele consegue não subestimar, levar a mensagem, e agradar seu público. E isso, “Rio” já mostrou que tem feito.

Não podemos deixar de falar de dois pontos importantes do filme. O elenco selecionado para dar voz aos personagens. Anne Hathaway, Jesse Eisenberg, Jamie Foxx, Rodrigo Santoro, Leslie Mann e ainda participações especiais, como a brincadeira de Saldanha de convidar a cantora Bebel Gilberto para dar vo a desafinada tucana Eva. Elenco de primeira linha. Eisenberg e Anne Hathaway como Blu e Jade respectivamente, estão excelentes, dando com suas interpretações, personalidades fortes aos personagens.

Outro ponto forte é a música, assinada por John Powell, Sérgio Mendes e Will i.am. A mistura do samba e da música brasileira com o pop americano talvez nunca tenha sido tão bem realizado. Ali, a presença de Sérgio Mendes foi essencial para esse resultado. A trilha sonora do filme é um personagem a mais. Tanto as canções com o a trilha incidental, casam perfeitamente com o clima do filme.

“Rio” já é um grande sucesso de público, com crítica dividida, mas sem muitos ataques ao filme, com certeza é um trabalho de ótimos atributos, que vem a firmar a carreira de Carlos Saldanha como um dos mais fortes nomes da animação mundial.

Jair Santana

“Em um Mundo Melhor”, Susanne Bier, 2010

Em um Mundo Melhor

Susanne Bier é uma diretora promissora da Dinamarca, sua breve carreira, de apensas 5 filmes, tem chamado atenção do mundo. Seu recente trabalho,“Em um Mundo Melhor”, já é o segundo filme de sua carreira que concorreu ao Oscar de Melhor Filme Estrangeiro. O primeiro foi em 2007, “Depois do Casamento”, que perdeu para o alemão “A Vida dos Outros” de Florian Henckel von Donnersmarck .

O filme é o grande Vencedor do Oscar e do Globo de Ouro de melhor filme estrangeiro de 2011. É um filme tenso, forte e acima de tudo sensível. Ele provoca o espectador e faz pensar em seu senso de justiça e suas reações.

“Em um Mundo Melhor” conta a historia Christian ( William Johnk Nielsen), um garoto que acaba de perder a mãe e se muda com o pai de Londres para casa de sua avó em uma pequena cidade da Dinamarca, e lá, faz amizade com Elias (Markus Ryggard), uma garoto da sua sala que sofre bullying dos colegas maiores.

Paralela a historia de Chris e Elias estão a de seus país, os de Elias, Anton ( Mikael Persbrandt) e Marianne ( Trine Dyrholm), que vivem um processo de separação, e de Claus ( Ulrich Thomsen), pai de Chris que é acusado pelo garoto de desistir da mãe e deixá-la morrer de câncer.

Esse paralelo é muito mais forte entre Anton e Chris. Estes sim, poderíamos dizer que são os personagens antagônicos do filme. Logo que chega na escola, Chris vê seu amigo sendo agredido e também se torna vítima dos causadores do bullying. No dia seguinte, prepara uma vingança ao principal de seus agressores. Por outro lado, Anton, pais de Elias é um médico voluntário em um país na África, e convive com outros tipos de violência, em um país em meio a uma guerra civil, onde o chefe da milícia local é violento e sádico.

Sem um tom moralista, mas sim provocador, o roteiro de Anders Thomas Jensen ( “Depois do Casamento” e “A Duquesa”) nos mostra reações adversas ao contato com a violência. A velha máxima de “violência gera violência” se apresenta de uma maneira sutil, porém forte.

Em um certo momento do filme, Anton é agredido por um homem em frente aos seus filhos e de Chris, porém não reage. Ao ser questionado por seu filho Elias sobre sua não reação, responde apenas que o agressor é um idiota, e que “é assim que as guerras começam”. Sim, pode ser, mas isso não fica por aí.

Anders e Susanne usam dois microcosmos, o acampamento em meio a guerra civil e a própria escola, para mostrar, que o que vale para nossa vida pessoal, vale para um macrocosmo também. O número de pessoas pode ser menor, o grau de violência pode ser menor, mas a premissa é a mesma. A violência e a resposta a violência.

A falta de comunicação, a intolerância, a xenofobia, o preconceito, gera situações violentas, inesperadas e até incontroláveis. Situações como ir além do que se planejou com as suas ações, ou mais ainda, por perder alguém querido.

As atuações são maravilhosas. Susanne Bier mostra ser uma ótima diretora de atores. A tensão do filme é impressionante. Os dois garotos, Christian ( William Johnk Nielsen) e Elias (Markus Ryggard) seguram os personagens com uma densidade, e ao mesmo uma inocência conveniente a suas idades. São interpretações incríveis, principalmente de William Johnk Nielsen, sempre fechado, inseguro mas ao mesmo tempo que querendo parecer forte.

Todos os personagens principais estão muito bem e são muito bem construídos. Destaque para Anton (Mikael Persbrandt), pai de Elias, o médico voluntário, que convive com um tipo de violência mais elevado, e sempre mantêm a calma, a serenidade, o equilíbrio. Quando não suporta mais guardar esse equilíbrio, explode sem pensar nas conseqüências de seu ato, e se questiona depois de sua reação, mesmo sem uma palavra, se fecha para conviver com as conseqüências do que fez.

Uma das sequencias mais fortes do filme, é quando Anton volta a ser agredido em frente a seus filhos e ao amigo do filho, e não reage, fica inerte, com um rosto sem expressão, apático. A cena é muito provocadora, questionadora e por que não dizer, revoltante.

A chave da questão, a chave do filme é essa. Até onde é válida uma reação violenta a uma atitude violenta. A resposta não é fácil e não vem fácil. A vontade da reação, da vingança, está presente em todos nós.

A fotografia de Morten Soborg não apresenta grandes firulas. É simplória mas muito bem realizada. Talvez fria como a Dinamarca, é esse o tom que predomina. A luz fria. Mesmo na África tudo é meio, digamos assim, “nublado”. Sem grandes sombras, sem luz estourada. Muito funcional ao que o filme apresenta.

Outro grande destaque é para a música de Johan Söderqvist, muito presente em boa parte do filme, conversando diegéticamente o tempo todo com as ações apresentadas. É também por conta da trilha que a tensão e a emoção do filme crescem. Johan Söderqvist é responsável por trilha de filmes como “Coisas que Perdemos pelo Caminho” também de Susanne Bier e a belíssima trilha de “Deixa Ela Entrar” de Tomas Alfredson.

“Em um Mundo Melhor” é desses filmes universais, que apesar de ocorrer na Dinamarca, poderia ocorrer do seu lado. Essa é a vantagem de se usar o micro para se falar algo maior. É também um filme diferente do estilo da maioria dos filmes americanos, onde tudo é muito explicado. Aqui o silêncio é tão importante quanto cada palavra. As ações silenciosas, o olhar, tudo é parte da diegese do filme e tem que ser pensado.

Jair Santana